那时候咱们看片子，讲究的是“粗犷”两个字。亮剑一出来，我就认定那剧情简直像把刀，直接扎在观众最疼的地方——就是保家卫国那点热血劲儿。
那时候不懂啥慢镜头特效，也没哪位在乎光影如何调，只要镜头一推过来，枪声一响，我就知道，这片子是确实。
那时候的剪辑节奏，干脆利落，一部片子往往几分钟就翻篇，生怕拖沓了观众耐心。 老话说“功夫不负有心人”，连导演霍建起都说，这剧最动人的是那股子凡人的血性。
那时候没有那么多花里胡哨的台词，全是用动作讲话。
比如某场巷战，连续换了十几位战士，没一句废话，只靠烟雾和枪声把人压下去，最终哪位还能再站起来，全看运气。
这种写法的背后，实际上是想告诉观众：只要心里有火，身子骨硬，老天爷也护着。
那时候的拍摄，根本不用去琢磨如何让画面“高级”，只要把枪声拍得震天响，把尘土拍得干干净利落净，人就认定血淋淋地疼。 说到拍摄工夫，它实际上挺“野”。你可能猜不到，它不是按部就班从开机到杀青，而是像演那场“救战友”那场戏一样，有时候你根本不知道戏份到底该啥时候收，啥时候放。记得那年拍áb 幕的时候，导演霍建起跟我说：“咱们这剧，别整那些虚头巴脑的，就把人往死里磕，磕疼了就行了。”这话听着糙，但当时我挺有共鸣。
那时候的剧组，没那么多讲究，哪位愿意演个温吞吞的角色？只要能让观众叫一声“卧槽”，哪位愿意演？故此那年，我们确实没按常规剧本写死，哪儿有戏到哪儿拍，剧情跟着情绪走。 为了还原那种“乱世英雄气”，咱们得去各个角落找素材。
比如去河北，去那个著名的“八角坝”。
那时候为了拍一段戏，剧组不得去现场待上一两天，天不亮就去，天黑才收。
为啥？出于那个环境忒特殊了，那种荒凉感，那种被生活无数次碾压过的寂寥，这才是主角不得不 grit out（硬撑）的背景。记得那段工夫，为了找一段露天的戏，我们确实在野外待了三天三夜。
那时候的演员，大局部工夫就是站着不动，就是看着风卷起沙尘，就是看着忒阳落下又升起。
那种累，不是身体上的累，是心里那股子“我操，我不干了”的劲儿，最终硬是靠着一股子狠劲给压住。 有一场戏叫“独闯忒行”，我当时在那边跟导演合计：“要不干脆就把人扔出去？”他说：“扔出去有吗？有，还有尸体。”那场面忒逼真了，一个人站在悬崖边，身后是万丈深渊，前面是未知的生死，风一吹，你根本分不清哪是现实，哪是演戏。
那一刻，我认定整部电影的气场都在这险峻的地理环境下立住了。
那个年代，没有特效替死，只有演员把自己那点皮肉肉都豁出去了，血溅当场。
你看那血，不是颜料泼的，是真正的血，染红了每一寸布景，也染红了所有人的脸。 拍完片回去再整理，看着那些在野外待了数天的镜头，再看看目前高清屏幕上的画面，那份原始的张力反而更强烈了。
那时候的人，讲话都是大白话，连“谢谢”都显得有点富余，全凭气势。
你看那个男一号，讲话比哪位都凶，哪怕是个眼神，也能让对手身退三分。
那种把“敢”字刻在骨子里的感觉，正是咱们那个年代特有的精神食粮。 后来这剧火了，看到大量评论说“忒直白”“不够细腻”了。我倒认定，这不就是咱们那时候的审美吗？想表达个爱国心，不想写多少弯弯绕绕的道理。目前的观众可能更喜爱细腻，但在那个镜头都还没对齐，配乐都还没加好音的情况下，咱们就敢把那种粗粝直接拍出来。
那种“丑”美，那种“粗”实，反而成了最打动人的地方。 确实，这剧当年拍摄的时候，根本不用去迎合啥目前的 Trends。
只要那股子“为了家国，舍身忘躯”的劲儿还在，镜头一推，观众心头就一颤。
那时候的导演霍建起，就是冲着那股劲儿来的，他想要的不是电影艺术，是那种让人热血沸腾、恨不得跟着一起喊“走一步”的痛快感。如今回想起来，那几年里，咱们拍的每一场戏，都是带着当时的时代情绪，带着那群演员的汗水和眼泪，一点点堆砌起来的。 那段日子，我们确实没想那么多技术上的“完美”，就想把那个年代最真的样子，用最迟钝却最诚意的方式，留给后来人看。
毕竟，表演这东西，确实不是死板的套路，而是每一个瞬间的爆发。亮剑当年拍的时候，可不是为了拿个奥斯卡，就是为了让那些在战场上牺牲掉的兄弟，在银幕上再活一次。
那种“正能量”，不是堆砌出来的，而是从骨子里渗出来的。 故此啊，甭管目前如何发展，亮剑那那股子劲儿，那股子“亮剑”的胆气，实际上一直都在。它不在于那些华丽的特效，也不在于那些精妙的构图，而在于那份甭管身处何种绝境，都能咬牙挺住、绝不向命运低头的精神。
那种精神，是在那个烽火连天的年代里，由一群一般/平平人用生命一点点铸出来的。